448.Как Вы понимаете выражение «творческая смелость художника»?

Выберите только ОДНУ из предложенных ниже тем сочинений, а затем напишите сочинение-рассуждение на эту тему. Рекомендуемый объём − от 350 слов. Если в сочинении менее 250 слов (в подсчёт включаются все слова, в том числе и служебные), то за такую работу ставится «незачёт».

Итоговое сочинение выполняется самостоятельно. Не допускается списывание сочинения (фрагментов сочинения) из какого-либо источника или воспроизведение по памяти чужого текста (работа другого участника, текст, опубликованный в бумажном и (или) электронном виде, и др.).

Допускается прямое или косвенное цитирование с обязательной ссылкой на источник (ссылка даётся в свободной форме). Объём цитирования не должен превышать объём собственного текста участника.

Если сочинение признано экспертом несамостоятельным, то за такую работу выставляется «незачёт».

В рамках заявленной темы сформулируйте свою позицию и аргументируйте её на основе не менее одного произведения отечественной или мировой литературы по Вашему выбору. Количество привлечённых произведений не так важно, как глубина раскрытия темы с опорой на литературный материал.

Продумайте композицию сочинения. Соблюдайте речевые нормы и нормы грамотности (разрешается пользоваться орфографическим словарём). Сочинение пишите чётко и разборчиво.

Для получения «зачёта» за итоговое сочинение необходимо получить «зачёт» по критерию № 1 «Соответствие теме» и критерию № 2 «Аргументация.

Привлечение литературного материала» (выставление «незачёта» по одному из этих критериев автоматически ведет к «незачёту» за работу в целом), а также дополнительно «зачёт» по одному из других критериев: № 3 «Композиция и логика рассуждения»; № 4 «Качество письменной речи»; № 5 «Грамотность».

Иркутская область

Комплект тем итогового сочинения 

НОМЕР ТЕМА
143 Кому или чему можно принести клятву на верность?
248 Что такое отзывчивость?
351 Можно ли прожить жизнь без целей и устремлений?
448 Как вы понимаете выражение  «творческая смелость художника»? 
551 Какими качествами должен обладать человек, чтобы оказывать влияние на общество

Данный материал опубликован на сайте BezFormata 11 января 2019 года,ниже указана дата, когда материал был опубликован на сайте первоисточника! 448.Как Вы понимаете выражение «творческая смелость художника»? Сибирские новости Все мероприятия пройдут на Youtube-каналах Иркутяне смогут присоединиться к «Ночи искусств» в онлайне 4 ноября.Комсомольская правда 448.Как Вы понимаете выражение «творческая смелость художника»? Правительство Иркутской области 448.Как Вы понимаете выражение «творческая смелость художника»? ИА Ирсити По замыслу разработчиков, основной целью стала минимизация времени, которое проходит с момента сообщения о пропаже человека и до начала поисковых работ.GazetaHot.Ru 448.Как Вы понимаете выражение «творческая смелость художника»? 17-летняя девушка погибла в ДТП в Тулуне в ночь на 1 ноября. Как сообщили в пресс-службе ГУ МВД России по Иркутской области, трагедия произошла на автодороге А-331 «Вилюй». ИА Альтаир 448.Как Вы понимаете выражение «творческая смелость художника»? По версии следствия, женщина необоснованно выдала разрешительную документацию при строительстве домов для детей–сирот Суд. IrkutskMedia.Ru Несмотря на небольшой стаж это уже второе раскрытое преступление 4-летней кавказской овчарки Служебный пес Лорд «раскрыл» кражу ящика со спиртным из дискаунтера в Ангарске Комсомольская правда 448.Как Вы понимаете выражение «творческая смелость художника»? Об этом сообщила руководитель городского штаба по борьбе с коронавирусом, заместитель мэра по социальным вопросам Марина Зубакова. Администрация г. Братск 448.Как Вы понимаете выражение «творческая смелость художника»? В Иркутске устраняют последствия попадания нефтепродуктов в реку Ангару. Мероприятия проводятся по поручению мэра Руслана Болотова. ИА ИркСиб В минувшую субботу, 30 октября, в Алтайском крае заработала система QR-кодов, согласно которой без сертификата о прививке от коронавируса, перенесенной болезни или отрицательном ПЦР-тесте граждан не пускают в ТЦ, Baikal24.Ru 448.Как Вы понимаете выражение «творческая смелость художника»? В этом году Дом детского творчества отмечает 65-летний юбилей. Коллектив его всегда отличался талантливыми людьми. Усольская Городская Газета 448.Как Вы понимаете выражение «творческая смелость художника»? Не только уличными художниками знаменит Иркутск, но ещё и режиссёрами. Очередное тому подтверждение – Байкальский фестиваль регионального кино, который на днях завершился в областном центре. Nts-Tv.Ru 448.Как Вы понимаете выражение «творческая смелость художника»? Традиционная ежегодная акция «Ночь искусств» пройдёт в Иркутской области 4 ноября в онлайн-формате   Наш регион в онлайн формате присоединится ко всероссийскому мероприятию, приуроченному ко Дню народного единства. ЛДПР

Что рождает классика. “СимфоСны” Анны Макаровой

 Ревизор.ruРевизор.ru

“Театр – это в первую очередь ощущение. Это отношения с окружающим миром и с людьми. Мне кажется, у Анны потрясающий талант нам подарить мир, который видит только она”.

Фото : Олеси Хороших. Заслуженная артистка России Анна Макарова и генеральный директор Театрального музея им. А.А. Бахрушина Дмитрий Родионов

На первый взгляд полотна Анны кажутся слишком разнообразными, но потом вглядываешься, читаешь названия и описания, и понимаешь, что всех их объединяет особенное мироощущение.

Мироощущение, присущее только этому художнику. Ее большой автопортрет, расположенный прямо напротив входа в первый зал, называется “Розовый портрет”, а написан красками желтых оттенков.

Так почему же “портрет” и почему “розовый”?

“А мне так захотелось, – озорно отвечает Анна.

– Потому что в момент написания у меня было настроение такое, розовое!” С этой картиной связан еще один удивительный факт: она была написана в темной комнате и одной линией, без отрыва руки от холста.

Пожалуй, можно согласиться и с другими словами Дмитрия Родионова: “Это, конечно, яркий, светлый мир, в котором творческая смелость художника соединяет краски так, как не каждый современный художник может это делать”.

Олеси Хороших . Бегущая (под впечатлением от музыки И. Ф. Стравинского). 2016. Холст, масло. А. Макарова

В вечер открытия своей выставки “СимфоСны” Анна Макарова благодарила Татьяну Сельвинскую, которую назвала горой Джомолунгмой в живописи. А ведь Анна знает, о чем говорит, она видела эту неприступную гору, когда путешествовала на Тибет.

Фото : Олеси Хороших . Заслуженная артистка России Анна Макарова и художник, заслуженный деятель искусств РСФСР Татьяна Сельвинская

Кстати, путешествие – один из источников вдохновения Анны. В описании многих ее картин можно прочитать: “Навеяно видом Гранд-Каньона” или “Под впечатлением от путешествий в Непал и на Тибет” .

Среди ее полотен также те, которые были написаны после подъема на Фудзияму, путешествий по Индии, Японии… Сама Анна просила посетителей обращать внимание на названия и описания ее картин, ведь они сделаны специально для тех, кто хочет понять ее творчество: “… это маленькие подсказки того состояния, в котором я была в этот отрезок времени своей жизни” , – подчеркивает она.

Будучи человеком музыкальным, в своих работах Анна использует цветомузыку.

Многие картины отражают ее состояние, навеянное шедеврами Иоганна Баха, Иоганна Штрауса, Альфреда Шнитке, Сергея Прокофьева, Александра Скрябина, Игоря Стравинского, Дмитрия Шостаковича, даже современного Стинга.

К сожалению, аудиофайлы к картинам не прилагаются, но, дабы скрасить чудесный вечер открытия выставки “СимфоСны” и помочь посетителям прочувствовать работы, Анна организовала небольшой концерт с участием Андрея Коробейникова (фортепиано) и Дмитрия Махтина (скрипка).

Они исполнили Сонату для скрипки и фортепиано №5 фа мажор, оп. 24, “Весенняя” Людвига Бетховена и Прелюдии для фортепиано Александра Скрябина. В заключительной Фантазии для скрипки и арфы ля мажор Камиля Сен-Санс одной из исполнителей была и сама Анна Макарова.

В картинах Анны подкупает ее философское отношение к жизни. Многие ее работы хочется рассматривать часами. Кажется, только так можно познать их тайну.

Даже прослушав указанные классические произведения или прочитав книги (в описаниях некоторых картин сказано, что они созданы под впечатлением “Ста лет одиночества” Габриэля Маркеса, “Петербургских повестей” Александра Сергеевича Пушкина и многих других писателей, признанных классикой зарубежной и отечественной литературы), никто до конца не сможет понять мир художника. Преклонение Анны перед классикой вызывает уважение, а ее новое прочтение – восхищение.

Фото : Олеси Хороших . Авантюрист (под впечатлением от М. Сервантеса и музыки С. С. Прокофьева). 2017. Холст, масло А. Макарова

В заключение хочется поделиться собственными соображениями относительно названия выставки “СимфоСны”. В нем, однозначно, читается намек на музыку, но как же сны?! Думаю, то состояние, в котором находится Анна во время работы над картиной, и есть некий сон.

Однако я для себя отметила серию работ, во второй части названия которых четко написаны номера снов. Здесь есть и “На балу. Первый сон”, и “Оркестр. Второй сон”, и “Танец. Третий сон”, и “Уставший ангел. Четвертый сон”, и “Перерождение, или Круг жизни. Пятый сон”, и “Рождение мальчика индиго.

Шестой сон”, и “Безумный XXI век. Седьмой сон”, и, наконец, “Неизбежность. Восьмой сон”. Как мне рассказала сама Анна, логики в последовательности этих снов нет, потому что это не совсем названия картин. Цифры – реальная последовательность снов, которые к ней приходили.

Почему их именно восемь? Столько у художницы было навязчивых, повторяющихся снов.

Фото : Олеси Хороших Танец. Третий сон (картина, вдохновленная А. Матиссом и 9-ой симфонией Л. ван Бетховена). 2015. Холст, масло. А. Макарова

Художник Коровин: секреты молодости

Ольга Беломоева

Впервые мне случилось услышать имя художника Коровина лет 30 назад. Тогда я училась в седьмом или восьмом классе, и одна из подруг упомянула о том, что среди ее одноклассниц есть девочка, папа которой — художник. Речь шла об Александре Ивановиче Коровине, который работал тогда главным художником Мордовского книжного издательства.

После этого прошло полтора десятка лет, и вот однажды, будучи уже сотрудником музея изобразительных искусств, вместе с другими коллегами я побывала в мастерской А. И. Коровина. Художник тогда рассказывал нам о пространственных построениях в живописи.

Читайте также:  Анализ пьесы м. горького «на дне»

С этого времени мне не раз приходилось сталкиваться с ним по работе, но это бывало, как правило, мимолетное общение, которое, впрочем, не мешало понять, что Коровин относится к тем редким людям, которые сочетают в себе интеллигентность, интеллект, профессионализм, общую культуру.

Однако особенно ярко обаяние личности художника открылось при более близком общении: оно состоялось в его мастерской, во время сеансов, когда он предложил мне позировать для портрета. Сеансов было несколько, они проходили по субботам.

Погода за окном, как помнится, стояла прекрасная, хотя, может быть, это ощущение возникало из-за особой теплой обстановки, которую Александр Иванович создавал в своей мастерской. Сеансы проходили в оживленных разговорах на разные темы. Особенно часто речь шла об искусстве.

Для меня это было одновременно открытие все новых черт личности художника, знакомство с его вкусами, интересами, пристрастиями в искусстве, «школа», в какой-то степени проверка собственных суждений, соучастие в творческом процессе, наконец, просто общение с прекрасным человеком. Вероятно, для самого художника эти разговоры были тоже важны, поскольку позволяли лучше познакомиться с моделью. Наконец сеансы были закончены, и портрет дописывался уже без моего присутствия. Впервые мне пришлось увидеть его на выставке, и я была благодарна художнику за созданный в нем образ.

В дальнейшем знакомство наше продолжалось, хотя встречи не были частыми. И вот совсем недавно мне посчастливилось работать с двумя выставками мастера. Как-то в прошлом году А. И. Коровин пригласил меня посмотреть новые живописные работы.

Они были посвящены старому Саранску, и не только темой, но и художественным решением заявляли о том, что художник открыл новую страницу в живописи Мордовии. Мы договорились о выставке, которая вскоре прошла в центральном здании музея.

Год спустя, в сентябре-октябре 1999 года, у меня появилась еще одна возможность более глубоко познакомиться с творчеством художника — во время работы с его персональной выставкой, посвященной 75-летию со дня рождения.

Во время новых бесед с художником, встреч со зрителем, в ходе анализа выставленных произведений стало очевидным то, что, может быть, раньше было мне известно на уровне ощущения.

Это — творческая смелость художника, способность решительно вступить на новую стезю, обратившись к незнакомой сфере деятельности, и добиться на ней успеха.

Немного найдется людей, которые, уже добившись почета и славы, рискнули бы заявить о себе в новом качестве. Художнику Коровину это оказалось по силам.

Александр Иванович Коровин родился в Суздале в 1924 году. Несмотря на желание отца видеть его агрономом, он все же поступил в Ивановское художественное училище. Два года он проучился на живописно-педагогическом отделении и, вероятно, успешно закончил бы его, если бы не война.

Будущий художник был призван в армию, служба в которой захватила не только военные, но и послевоенные годы. К слову сказать, ему предлагали продолжить службу, став кадровым военным, но он отказался от соблазна, решив продолжить художественное образование, но уже в вузе.

В 1950-е годы Коровин стал студентом Ленинградского филиала Московского полиграфического института. Правда, здесь ему не суждено было учиться живописи. Он увлекся изысканной красотой черно-белой графики, которая заняла главное место в его творчестве в последующие десятилетия.

Учеба в институте оставила самые яркие воспоминания, и даже сейчас, спустя сорок лет, художник тепло вспоминает преподавателей, атмосферу вуза, занятия, проходившие в залах Эрмитажа. Имея квалификацию художника-графика, в 1960 году А. И.

Коровин получил приглашение на работу в Мордовское книжное издательство, где трудился в должности главного художника 17 лет. Он оформил огромное количество художественных, научно-популярных, учебных изданий. Параллельно художник приобрел известность как один из ведущих мастеров станковой графики Мордовии.

Его творческие работы участвовали в выставках различного ранга, не раз были отмечены наградами. Вскоре мастер стал членом союза художников МАССР, а несколько позднее ему были присвоены звания заслуженного деятеля искусств республики и заслуженного работника культуры Мордовии. В 1999 году ему было присвоено звание народного художника Мордовии.

1980-е годы стали для него новым рубежом. Во-первых, он предпринял серьезный шаг в своей карьере, дав согласие перейти на педагогическую работу в Саранское художественное училище.

Наверное, это было нелегкое решение — ведь художник не только оставил работу, которой было отдано столько энергии и сил, но и занялся деятельностью ему до сих пор на практике не известной.

И все же оно, к счастью, было принято: и по сей день Коровин преподает в училище, а каждое новое поколение студентов мечтает о том, чтобы он поработал с ними хотя бы один семестр. Многие бывшие его студенты и сейчас приходят к нему домой, в мастерскую, чтобы посоветоваться, поговорить, поучиться.

Новая профессия вызвала перемены и в творчестве. Художник неожиданно для многих обратился к живописи, исследуя выразительные возможности цвета, фактуры.

И этот шаг тоже был непростым: имея славу одного из ведущих графиков республики, он должен был предстать перед судом зрителей и коллег в качестве живописца. Персональная выставка 1994 года, когда А. И.

Коровин впервые представил значительное число живописных работ, вызвала положительный отклик, и теперь вряд ли можно мыслить живопись республики без его работ. Такова хроника событий в жизни мастера.

Так уж сложилось, что Коровин занялся творческой деятельностью довольно поздно, когда ему было около сорока. К этому времени некоторые авторы уже имеют за плечами персональные выставки, членство в творческих союзах. У Коровина все это было еще впереди.

Очень скоро он сумел занять достойное место среди художников Мордовии, и его вклад в развитие искусства республики вряд ли можно переоценить. Прежде всего, отметим, что его работы вывели на новый качественный уровень книжную графику республики.

Иллюстрации Коровина классичны в своей строгой лаконичности, сложности ритмов и ракурсов, отточенности композиционных решений. В них — глубокое проникновение в замысел писателя, что предполагает не простое следование фабуле, а раскрытие всего комплеса идей литературного произведения.

Этому служит и тщательный отбор средств художественной выразительности из арсенала графики — изящная, трепетная линия рисунка тушью, пером в иллюстрациях к роману М. Петрова «Румянцев-Задунайский» или динамичная, темпераментная линия, резкий контраст черного и белого в иллюстрациях к «Сураю» В. Радаева.

Теми же несомненными достоинствами отмечена и станковая графика Коровина, лучшие листы которой  составляют  золотой фонд искусства нашей республики.

Старый  и  новый Саранск (одноименные серии), будни заводских цехов (серия «Пенициллин»), древняя и современная история края («Из героического прошлого мордовского народа», «Легенды мордвы», «Памяти селькоров Мордовии») в разные годы попадали в сферу внимания художника.

Живопись представлена у Коровина портретом, пейзажем, натюрмортом. Портретное творчество художника привлекает глубоким проникновением в характер, состояние, настроение модели. Большая часть холста, как правило, принадлежит герою, детали антуража — не акцентированы, даны скупо, но органично соединяются с персонажем.

Полноправно предметы живой и неживой природы царствуют в натюрмортах автора, почти всегда ярких и звучных по цвету, в меру заполненных изображением. Прорывом в пространство, отлаженным построением композиции привлекают пейзажи А. И. Коровина.

Опираясь на натурные впечатления, что особенно заметно в этюдах художника (серия архитектурных пейзажей по городам центральной и северной России), он едва усиливает звучание цвета в законченных работах, придавая их колориту некоторую декоративность.

Этот принцип лежит в основе решения серии живописных работ «Старый Саранск», которая включает около двадцати произведений, написанных художником в последние три года. В большинстве пейзажей создан своего рода портрет культовых сооружений Саранска, сохранившихся («Трехсвятская улица») или ныне утраченных («Спасская площадь»).

Панорамы, входящие в состав серии, дают целостное представление об архитектурном ансамбле, некогда украшавшем верхний город. Цикл работ «Старый Саранск» является заметным вкладом художника в развитие жанра городского и архитектурного пейзажа в мордовском изобразительном искусстве.

На основе большой подготовительной работы с документами, фотографиями он воссоздает тот облик верхнего и нижнего города, который сложился к концу ХIХ — началу ХХ века. Его произведения далеки от сухих реконструкций памятников зодчества, они рисуют нам образ небольшого провинциального городка, имевшего свой неповторимый облик, утраченный, к несчастью, навсегда.

Работы серии очень эмоциональны и поэтичны. Этот тон задает природа, являющаяся важным «персонажем» картин. Таинственные, приглушенные краски сумерек и нежный солнечный свет, в котором розовеют облака, а небосвод становится нежно бирюзовым, спокойная, ровная белизна снега и мощный аккорд ярких лучей солнца, вырвавшихся из плена грозовых облаков, создают волнующие, запоминающиеся образы. Чуть акцентируя цвет, художник остается в рамках классического реалистического искусства, опираясь на традиции декоративного подхода к пейзажу.

Казалось бы, совершенно разные виды искусства, живопись и графика одинаково успешно развиваются Коровиным, демонстрируя его завидное чувство цвета, линии, формы.

График Коровин дополняет живописца Коровина и наоборот.

Читайте также:  Давид бурлюк стихи: лучшие стихотворения поэта в стиле футуризм

Главное же, что объединяет обе грани таланта художника — его удивительная увлеченность искусством, готовность к творческому эксперименту, свобода и смелость в решении творческих проблем.

Кстати сказать, это желание освоить новое — свидетельство об огромном творческом потенциале мастера, и он действительно ежегодно создает немало новых работ. Кроме того, у него есть неосуществленные пока замыслы и в собственном творчестве, и в работе со студентами.

Не каждому свойственно такое творческое долголетие. Разговаривая с Коровиным, постоянно ловишь себя на мысли, что имеешь дело с человеком молодым душой, энергичным, смотрящим в будущее, способным воспринимать новое. Невозможно представить его ворчливым или раздраженным.

Его взгляд на жизнь выражает позицию мудрого человека, который видит и дурное, и хорошее, но не меняет приоритетов в угоду времени. Истина, добро, красота не потеряли в его глазах статуса подлинных ценностей. Он по-прежнему ориентируется на них и в жизни, и в искусстве.

Наверное, в этом и заключается главный секрет его молодости.

«Экстатичность, дерзновение, цветомузыка». О выставке «СимфоСны» Анны Макаровой – Государственный центральный театральный музей имени А. А. Бахрушина

14 апреля 2017 года в Театральной галерее на Малой Ордынке – отделе Театрального музея им. А.А. Бахрушина состоялось открытие выставки «СимфоСны» заслуженной артистки России Анны Макаровой.

Анна – профессиональный музыкант, солистка, играет на арфе в Академическом симфоническом оркестре Санкт-Петербургской филармонии под руководством Юрия Темирканова. Но её увлечение живописью со временем превратилось в страсть.

Она рисовала всегда и везде: в музыкальной школе, консерватории, во время работы в оркестре и на гастролях по всему миру.

«Я в картинах хочу поделиться с вами своим восприятием мира. Многие работы написаны во время гастролей, куда я беру холсты, краски, растворители, кисти. Картины созданы под впечатлением от Индии, Японии, Гранд-каньона, Непала, Тибета. Я ищу себя, и путешествия влияют на формирование моей личности. Для меня это очень важно», рассказала Анна Макарова на вернисаже.

В экспозиции представлено 29 работ, и каждая – образец яркой, образной, экспрессивной живописи. На этой выставке очень важно внимательно вчитываться в названия, где часто встречаются слова «навеяно» и «под впечатлением». Например, «Бегунья» (под впечатлением от музыки Стравинского); «Рождение мальчика индиго.

Шестой сон» (под впечатлением от музыки А.Н. Скрябина в исполнении А. Коробейникова); «Сон смешного человека» (под впечатлением от одноимённого рассказа Достоевского и Гольденберг-вариаций И-С Баха в исполнении А.

Князева), портрет (по мотивам произведений Маркеса), а ещё «Подсолнухи» (под впечатлением от живописи Моне и Ван-Гога).

Анна Макарова пишет и портреты, в которые ищет персонажа и пытается произвести психологический анализ своих героев, найти точный образ.

К примеру, посетители увидят Стравинского в двух парах очков и Чайковского в театральной маске, кстати, «под впечатлением от письма П.И. Чайковского Н.Ф. фон Мекк».

А ещё есть картины – впечатления от музыки Шнитке, Стинга, Прокофьева, литературы Сервантеса.

Анна Макарова – художник, который читает, слушает, рассматривает, умеет превращать путевые заметки в яркие образы в картины. И к тому же она человек небезразличный.

Особенное место в экспозиции занимает работа «Реквием» (памяти погибших при крушении российского самолёта ТУ-154 в Чёрном море 25 дек. 2016 года).

На ней изображён ядерный гриб, и это взрыв цвета: от нежно-голубого до ярко-оранжевого.

Приветствуя собравшихся на вернисаже, генеральный директор Театрального им. А.А. Бахрушина Дмитрий Родионов счёл своим долгом объяснить, почему Театральный музей представляет будто бы не театрального художника: «Каждый настоящий художник – это свой мир и свой театр. У Анны все работы яркие и обращены к нам, к зрителю. Конечно, это театр.

Но если говорить глубже, то, конечно, театр – это мироощущение, отношения с окружающим миром и с людьми. И мне кажется, что у Анны потрясающий талант подарить нам мир, который видит только она. Яркий светлый мир, в котором творческая смелость художника объединяет краски в такой палитре, в которой не каждый современный художник, и не только современный, может это делать.

Работы ошеломляют палитрой, но она при этом гармонична, удивительно притягательна и тепла, – редкое сочетание. Подкупает взволнованное философское отношение к жизни, не буквальное копирование и цитирование, а переосмысление. Это потрясающий театр художника. И поэтому для музея Бахрушина это точный выбор художника, с которым мы надеемся сотрудничать.

Первая выставка, несомненно, перейдёт и во вторую, и в третью».

Вернисаж посетила и Татьяна Ильинична Сельвинская, знаменитый театральный художник и выдающийся педагог, вырастивший плеяду блестящих сценографов.

Анна Макарова у неё не училась, но на вопрос, чем привлекло её творчество, Татьяна Ильинична ответила: «Всем. Оно совершенно оригинально. И главное, что музыка и цвет – это близнецы-братья. Она это показывает еще раз.

Совершенно самостоятельные своё видение и своя форма. Такой редкий случай».

«Огромное спасибо Татьяне Ильиничне Сельвинской. Вы моя крёстная мама в живописи. Вы для меня «гора Джомолунгма». Вы разглядели в моих работах что-то такое, что до вас никто не находил.

Я безумно вам благодарна и восхищаюсь Вами, Вашей живописью, Вашей школой и Вашим фанатизмом, с которым вы относитесь к делу. Мне досталось немного Вашего внутреннего света, который передаётся по частичке Вашим ученикам.

Спасибо огромное за то, что Вы есть, и за то, что сегодня пришли, низкий поклон», – Анна Макарова начала своё выступление на открытии выставки со слов благодарности Татьяне Ильиничне.

Название выставки «СимфоCны» Анна Макарова расшифровала так: «Это мои эмоции, мои впечатления, мои мысли о жизни, о творчестве, обо всём. Это мои философские высказывания на холсте. Я профессиональный музыкант, и у меня всё происходит через призму классической музыки и симфонического оркестра».

Каждый вернисаж складывается по-своему, у каждого есть свой характер и звук. Открытие выставки Анны Макаровой было свободным, раскованным и закончилось небольшим концертом. Прозвучала фантазия для скрипки и арфы ля мажор, оп.

124 в исполнении Анны Макаровой и её друзей: Андрея Коробейникова (фортепьяно) и Дмитрия Махтина (скрипка). Перед исполнением прелюдии для фортепьяно А.Н. Скрябина Андрей Коробейников дал такие определения музыке композитора: «экстатичность, дерзновение, цветомузыка».

Эти слова прозвучали точной рифмой к живописным работам Анны Макаровой, представленным в Театральной галерее на Малой Ордынке.

Галина Фадеева

Заслуженная артистка России Анна Макарова

Заслуженная артистка России Анна Макарова с почётными гостями вернисажа

3. Заслуженная артистка России Анна Макарова и заслуженный деятель искусств РСФСР Татьяна Сельвинская

Анна Макарова. Бегущая (под впечатлением от музыки И. Ф. Стравинского). 2016. Холст, масло.

Картины заслуженной артистки России Анны Макаровой

Анна Макарова. Чайковский. (под впечатлением от письма П.И. Чайковского Н.Ф. фон Мекк). 2016. Холст, масло

Анна Макарова. «Реквием» (памяти погибших при крушении российского самолёта ТУ-154 в Чёрном море 25 дек. 2016 года). 2016. Холст, масло.

Заслуженный деятель искусств РСФСР Татьяна Сельвинская и генеральный директор Театрального музея им. А.А. Бахрушина Дмитрий Родионов

Генеральный директор Театрального музея им. А.А. Бахрушина Дмитрий Родионов и заслуженная артистка России Анна Макарова

Заслуженный деятель искусств РСФСР Татьяна Сельвинская и генеральный директор Театрального музея им. А.А. Бахрушина Дмитрий Родионов

Анна Макарова. Страхи. (под впечатлением от 13 симфонииД.Д. Шостаковича «Бабий Яр»). 2015. Холст, масло

12. Анна Макарова. Читающая. (по мотивам рассказов И. А. Бунина). 2014. Холст, масло.

13. Анна Макарова. Третий сон (картина, вдохновленная А. Матиссом и 9-ой симфонией Л. ван Бетховена). 2015. Холст, масло

14. Анна Макарова. Фрагмент картины. Петербургский грифон (под впечатлением от «Петербургских повестей Н.В. Гоголя». 2016. Холст, масло

Концерт с участием Андрея Коробейникова (фортепиано) и Дмитрия Махтина (скрипка)

Картины Анны Макаровой

Заслуженная артистка России Анна Макарова

Концерт с участием Анны Макаровой (арфа) и Дмитрия Махтина (скрипка)

Заслуженная артистка России Анна Макарова

Перемещение Европы – выставка/коллекции – "Review Россия!". Приложение – Коммерсантъ: последние новости России и мира

Вместе с русским искусством в Музее Гуггенхайма Россию представляют экспонаты из крупнейших российских собраний западного искусства. О том, как собрания и собиратели влияли на национальный культурный процесс, рассказывает СЕРГЕЙ ХОДНЕВ.

       

Европа в XVII-XVIII веках прошла два модуса коллекционирования.

Во-первых, коллекционирование как тщательное подбирание самых невероятных и самых малодоступных чудес, редкостей и диковинок: тогда знакомство с коллекцией мыслится как одно сплошное удивление, провоцирующее зрителя на необычные парадоксы и “сопряжение далековатых понятий”.

Во-вторых, подбор предметов, которые призваны не озадачивать своей таинственностью и раритетностью, а, напротив, просвещать, поучать, объяснять. Совершенствовать нравы, воспитывать вкусы, укреплять умы в добродетели.

       

Искусства, конечно, побывали и в тех, и в других коллекциях.

Есть множество примеров, когда знаменитое полотно сначала висело в сумрачной кунсткамере какого-нибудь герцога в окружении резных носорожьих рогов и страусиных яиц, оправленных в золото, а потом, через полвека, встречалось уже в светлой и просторной картинной галерее просвещенного герцогского преемника. Но у нас особый случай. Наши потентаты XVI-XVII веков все-таки на европейский вкус были довольно необычными коллекционерами (если не брать Грозного с его предполагаемой византийской библиотекой) — собирали реликвии да регалии. Воспитанного за столетия вкуса к собиранию живописи (с какими бы то ни было интенциями), какой был западнее, к Петровской эпохе у России не было. Острее стояла задача не собирать, а прививать интерес к европейскому искусству, порой даже к его довольно прагматическим функциям. Скажем, итальянские скульптуры в Летнем саду были призваны не столько производить впечатление как собрание конкретных уникумов, сколько наглядно разъяснять, а какая вообще бывает парковая скульптура, какие именно мифологические сюжеты ей по плечу и на какой лад мраморные изваяния способны украшать времяпрепровождение в этом самом саду.

       

Читайте также:  223. Равнодушие как путь к одиночеству.

Но с живописью было еще интереснее, чем со скульптурой.

Еще в конце XVII века — при декларативном подозрительно-пренебрежительном отношении к искусству “латынников и лютеров” — к европейским живописцам не стеснялись обращаться в тех случаях, когда необходимо было создать что-то торжественно-репрезентативное.

Потому что идея парадного портрета как атрибута почетного положения в обществе, хоть и восходящая к античности, только в европейское Новое время превратилась в целый специальный язык со своим многословным лексиконом, своей пышной грамматикой, ну и, конечно, с желательной орфографией адекватной живописной манеры. И этот язык не только сами московские мастера, судя по всему, с энтузиазмом осваивали, но и их заказчики торопились примерить на себя, на свои портреты. Причем еще задолго до бритья бород и смены фасона кафтанов.

       

Сейчас зачастую кажется, что между даже откровенно европеизирующей “парсуной” конца XVII века и первыми образчиками “настоящей” портретной живописи 1700-х лежит некая непреодолимая цивилизационная грань. Это, конечно, иллюзия.

И авторами-то этих портретов были в том и другом случае одни и те же люди, с которыми не случалось никакого внезапного мировоззренческого переворота. Тут разница скорее в самих моделях.

Или они, клиенты мастеров школы Оружейной палаты, старательно изображают всем своим видом нечто чинно-иератическое — или, уже переодетые в выписанный из Франции наряд, столь же старательно показывают, как им в нем легко, удобно и привычно.

       

Собственно, затем и нужна была коллекция живописи. Язык культуры из барочного сменился языком Просвещения, но в силу преемственности для любой репрезентационной художественной акции — от портрета малозначительного аристократа “в случае” до празднеств императорской коронации — все равно был необходим прецедент.

Бесчисленные триумфальные арки и декорации для фейерверков елизаветинской и екатерининской эпохи неминуемо восходили к торжествам барочных Габсбургов, оформителями которых подвизались крупнейшие художники эпохи — да вот тот же Рубенс, например.

Тяжеловесная и чувствительная классицистическая живопись Лосенко в несколько приемов выводится из нарядных аллегорий неаполитанской школы первой половины все того же XVIII столетия.

Постановщики бесчисленных пасторалей в дворцовых театрах всех уровней — от Петербурга до сельских усадеб — хотя бы по гравюрам представляли себе Ватто, Буше и Фрагонара.

Наконец, лучшими качествами любого портретиста до поры до времени считались не безошибочная реалистичность и психологизм, а, во-первых, способность употреблять портретное сходство к вящей выгоде для изображаемой персоны, во-вторых, способность придать всему портрету в целом торжественность. Или хотя бы ван-дейковскую поэтичность, как это происходило уже на закате классицизма.

       

Конечно, даже для середины XIX века прекраснодушная идея того, что демонстрация шедевров живописи способна улучшать общественные нравы, звучала, мягко говоря, странно. Другая идея, идея государственного собрания шедевров как коллекции образцов и ориентиров для национального искусства, была еще как жива.

Собственно, не без этой идеи и стало публичным музеем собрание Эрмитажа. Другое дело, что буквальная ориентация на лучшие образцы европейских старых мастеров постепенно превращалась из всеобщего стимула в принадлежность одного только академизма.

Кроме того, основные коллекции старых мастеров уже сформировались; частному коллекционеру было бы сложно что-либо противопоставить этой сформировавшейся конфигурации.

       

Современное же, актуальное европейское искусство постепенно утратило привкус торжественной, очевидной и безусловной “шедевральности”.

В 1830-е произведение могло стать гвоздем сезона благодаря вещам, очевидным всем и каждому, причем едва ли не издали: многозначительности сюжета, грандиозным размерам, десяткам персонажей, тщательно прорисованным драпировкам,— и только просвещенные ценители добавляли потом к этому перечню также и более профессиональные восторги мастерским колоритом, точностью мазка и удачно найденной композицией. Пятьдесят лет спустя то же, скажем, парижское общество шло смотреть очередной гвоздь сезона, привлеченное громкими спорами, доносящимися из стана профессиональных ценителей, и не всегда уходило в убеждении, что увиденный пейзаж Моне или Писарро похож на привычные, “понятные” шедевры.

       

Но в то же самое время в последнюю четверть XIX века стал возможен другой феномен коллекционирования, аналогию которому трудно себе представить даже в связи с первостепенными аристократическими коллекциями конца XVIII века, с собраниями Голицыных и Юсуповых.

Те порой покупали, конечно, “свежее” искусство мастеров, которые на тот или иной момент были именно в моде (а не в статусе великих мастеров на все времена). Но у коллекций Щукина и Морозова были все-таки совсем другие критерии.

Так строить свои собрания, чтобы фактически опережать крупномасштабный общественный интерес, чтобы отслеживать только самое острое, свежее и передовое — такого еще не было. Более того, ясно, что при таком подходе к формированию живописной коллекции возникает совершенно иное взаимодействие между собранной живописью и зрителем.

Зрителю, который знакомился здесь с коллекцией, скажем, Щукина, предъявлялся не некий условный “итог” художественного процесса с ранжированным пантеоном “совсем великих” и “не совсем великих”, а живой срез текущего процесса. Отсюда и колоссальная значимость этих частных коллекций для отечественного искусства.

Художники, имевшие доступ к тем же собраниям Щукина или Морозова, приезжали затем в Париж не бедными родственниками из провинции, а вполне осведомленными и искушенными персонами; художественный язык передового европейского искусства был им и знаком, и привычен до тонкостей.

       

Разумеется, связь с репрезентацией коллекционера как патрона искусств и ремесел в этом случае была несколько иной — более прицельной, если угодно.

Не только для широких масс, но и для того круга состоятельных предпринимателей купеческого происхождения, из которого и Щукин, и Морозов, собственно говоря, вышли, собирание Гогена, Дерена, Матисса и Пикассо не представлялось в тот момент очень уж почтенным занятием.

Но зато именно с тех пор и поныне утвердилась та ситуация, когда на серьезном художественном рынке делает погоду не столько общественный вкус, сколько сочетание частностей: частная творческая смелость художника вместе с частной смелостью коллекционера.

В екатеринбурге открылся выставочный проект "франсиско гойя. сумерки и свет"

ЕКАТЕРИНБУРГ, 28 июня. /Корр. ИТАР-ТАСС Виталий Халевин/. Выставочный проект “Франсиско Гойя. Сумерки и Свет” сегодня открылся в Екатеринбурге. Как сообщил корр.

ИТАР-ТАСС на открытии экспозиции артефактов и офортов Франсиско Гойя академик Российской академии художеств Виталий Волович, впервые художникам из провинции предоставлена возможность ознакомиться с полномасштабной коллекцией работ великого мастера.

“На выставке Гойя художники не говорят, а молчат. Офорты великого мастера завораживают. Хочется изучить каждую деталь, каждую надпись, которая порой едва заметна в репродукциях, – отметил Виталий Волович.

– Мне 80 лет. С творчеством Гойи я знаком около 60 лет. Каждый раз, когда я вижу работы мастера, у меня появляется желание творить что- то новое.

Через меня проходит волна вдохновения, а душа наполняется чистым и нежным светом”.

По словам Воловича, открытие уникального выставочного проекта в Екатеринбурге в очередной раз подтверждает тот факт, что уральский город стремится занять свое место в культурном пространстве страны. “Екатеринбург не только край металлургов, это город людей, умеющих ценить высокую культуру”, – подчеркнул Волович.

Эпоха Гойи – один из драматичных периодов истории Испании. Политическая реакция Карла IV, войны с Францией и Англией, реставрация Бурбонов, революция, эмиграция художника.

В эти годы Гойя, один из величайших граверов, создает шедевры изобразительного искусства – графические серии “Капричос”, “Бедствия войны”, “Тавромахия” и “Пословицы”.

В них тесно переплетается трагическая реальность человеческого бытия с фантастическим внутренним миром художника.

В 1937 году по заданию испанского правительства периода Гражданской войны, ограниченным тиражом была выпущена серия офортов “Капричос”, “Бедствия войны”, “Тавромахия” и “Пословицы”, которые были переданы Советскому Союзу в честь юбилея – 20-летия Октябрьской революции.

Официально это издание было объявлено завершающим и последним. Оригинальные доски мастера, пережившие все потрясения X1X-ХХ веков, хранятся в Королевской академии Сан-Фернандо в Мадриде. Издание офортов 1937 года – “дань памяти таланту бессмертного гравера”.

Офорты, созданные в эпоху потрясений начала XIX века, а спустя век изданные в пылающем осажденном Мадриде, – уникальный памятник изобразительного искусства. Выдающееся мастерство и творческая смелость художника поставили их в ряд произведений “на все времена”.

Выставку в Екатеринбурге организовали Свердловский областной краеведческий музей и Государственный центральный музей современной истории России.

Ссылка на основную публикацию